Lo mejor que el cine puede dar
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You only live twice – Reseña y análisis de la película

Solo se vive dos veces; una cuando naces, y otra, cuando estás cara a cara con la muerte.
Así reza el párrafo de la novela homónima de Ian Fleming, sobre el significado del título en cuestión. Novela que es desarmada y reconstruída con nuevos componentes para generar el guión que sustenta la película.
La génesis de Solo Se Vive… es extraña. Por un lado, Fleming ya había fallecido, lo cual da pié a ser más liberales con el tratamiento de su obra literaria. Por el otro, el gran suceso de Thunderball impulsa a seguir a los productores con el tema de la amenaza total, que tan buenos réditos en taquilla había dado. Súmese a esto un guión escrito por Roahl Dahl (un autor atípico, creador de Jim y el Durazno Gigante o La Historia Sin Fin, es decir fantasía para niños) y obtendremos un producto, cuando menos, inspirado.
La novela original se enganchaba con la trilogía de Blofeld, como final de la misma (Thunderball, OHMSS, You Only Live…). Filmicamente, se sigue otro orden completamente distinto. En Thunderball, Blofeld es omnipresente pero permanece en las tinieblas, y no como protagonista. Y se construye la trilogía con You Only Live…, OHMSS y Diamonds…; esta última película es incluída “a la fuerza”, ya que el texto original trataba sobre unos mafiosos italo-americanos traficantes de diamantes.
Mientras que la novela tomaba el derrotero de Bond como un ser atormentado, perseguido por la muerte de su mujer (y cuya decadencia tiene su paralelo en la locura de Blofeld, cultivando en Japón un “jardín de la muerte”, lleno de plantas productoras de venenos letales, como jardín de la tentación para los nipones suicidas), el guión solo rescatará algunos toques exóticos y la parte turística de la odisea de 007, para incorporarlo a una trama absolutamente impensada por Fleming.
Así se desarrolla el film.
Acá tenemos una cápsula rusa que secuestra (literalmente, se engulle) a una nave espacial norteamericana. El hecho es seguido por TV y ambos países quedan al borde de la guerra mientras empieza una debacle diplomática para intentar, cuando menos, calmar las cosas. Los ingleses, pequeños como potencia, pero más astutos que los rusos y los americanos, denuncian que la mencionada cápsula rusa ha descendido cerca de Japón, y antes de disparar un tiro, el hecho merece ser investigado.
Al mismo tiempo, asistimos al asesinato de Bond (aquí el teaser prácticamente no existe, solo un par de escenas muy aisladas que anticipan lo que vendrá) mientras se encontraba con una amante china en Hong Kong. El comandante Bond es enterrado en el mar, al tiempo que unos buzos rescatan el ataúd y es llevado a un submarino. Debido a que la misión es supersecreta, Bond debe pasar por muerto (lo que justifica en parte el título, aunque de una manera más débil y menos elegante que en la novela original).
Los críticos ven a esto como un renacer de las aguas, muy de los héroes míticos griegos. Puede ser, es una interpretación quizás muy profunda para mí, pero si es así, bienvenida sea. Significa que las cosas no están puestas tan al azar o por capricho del guionista.
Así es que Bond es enviado, de incógnito, a Japón. Allí deberá hacer contacto con el jefe de la inteligencia local, el carismático Tiger Tanaka, a cargo de la estrella japonesa Tetsuro Tamba (protagonista de la muy recordada serie “El Ojo De La Cerradura”).
Este personaje se entronca casi directamente con el Kerim Bey de Desde Rusia… Excéntrico, brillante, lleno de sus propias mañas aprendidas a lo largo de años de profesión, conocedor como pocos de las tácticas del enemigo… ; un tutor de Bond sobre las costumbres del espionaje local. La diferencia estriba en los usos y las tradiciones japonesas de Tanaka (el espionaje también participa de códigos de honor, tal como los tenían samurais y ninjas – mercenarios y espías del folklore nipón – en su momento). A su vez el poder de Tanaka es impresionante: dispone prácticamente de su propio ejército en las sombras, adiestrados en todas las artes marciales conocidas; tiene su propio subterráneo secreto (!), listo para desplazarse por Tokio sin pérdida de tiempo.
A la vez que Bond contacta a Tanaka, hace lo mismo con el contacto local inglés, Dikko Henderson (fugaz y extraña aparición de Charles Gray, que retornará a la serie como Blofeld en Los Diamantes…), el que es rápidamente asesinado. Rastreando a los ejecutores, 007 llegará a una corporación de alta tecnología, la cual terminará por saberse, es la proveedora de la infraestructura que SPECTRE y Blofeld están montando en Japón.
En el medio hay algunas idas y venidas, algunas peleas correctas, algunas persecuciones no muy interesantes. La investigación en sí no despierta demasiado interés, por eso es breve y expeditiva hasta llegar a la investigación de la isla a la cual la mencionada corporación envía barcos cargados con toneladas de equipos de última generación y materiales – combustibles – propios de cohetes, y regresan vacíos.
A partir de entonces, la película salta de una aventura urbana, a los paisajes espectaculares de las islas volcánicas de Japón. El film se transforma en otro, la narración toma otro cariz, y es esta parte del relato la más entrañable y recordada de los fanáticos bondianos. Y esto se debe en buena parte, a que la narración filmica ya se entronca, con alguna que otra libertad, con la poesía del original literario de Fleming.
Quizás Fleming no fuera un gran narrador, pero si era un gran creador de personajes y de situaciones extrañas, exóticas y hasta cierto punto, hipnóticas. Buena parte de las ideas originales de Fleming (la simulación de Bond como nativo de la isla, el adiestramiento en la escuela de ninjas, las pescadoras de ostras) es volcado en el guión. Es cierto, no hay prácticamente acción, es algo tan turístico como lo era la espera de Bond de la deserción de Tatiana en Desde Rusia… (las gitanas, las catacumbas de Estambul, etc). Muchas escenas que en sí no contribuyen tanto al avance del relato, pero que sí resultan atrapantes, interesantes.
Como la platea reclama sangre, la historia se matiza con un par de escenas de acción (el atentado en la escuela ninja, la muerte de la supuesta esposa de Bond-san, en la recordada escena con el veneno deslizándose por un hilo desde el techo hasta la boca de la víctima), y una memorable pelea aérea con “Little Nellie” como estrella: un autogiro diseñado por Q (si alguien no sabe lo que es un autogiro, que consulte una enciclopedia; para desasnar rápidamente diremos que es un helicóptero con un motor de hélice delante), transportable en 3 maletas grandes y armado hasta los dientes. La persecución al autogiro por parte de los helicópteros negros de SPECTRE (y que son la imagen del poster de la película) esta bien lograda para lo que se podía hacer con los recursos de la época. Suenan de fondo los inconfundibles compases del tema de 007.
La inspección de Bond es sobre los volcanes, en los cuales sospecha que se oculta el destino de los cargamentos ultrasecretos de los barcos. La inspección en tierra nos lleva hacia al descubrimiento final, cuando Bond averigua que uno de los supuestos volcanes apagados no es más ni menos que una cubierta metálica que camufla la base de lanzamiento de las falsas cápsulas rusas que envía SPECTRE al espacio.
La leyenda dice que la idea de la base en el volcán hueco fué una improvisación de último momento, un aporte que Ken Adam hizo cuando la película ya estaba en desarrollo. Dudo de ello, porque una cosa es decidir filmar una escena de mañana o de tarde (un cambio de último momento, gratuito), y otra, agregar sobre la hora la idea de construir un set de varios millones de dólares.
Que la escenografía es brillante, genial, no hay ninguna duda. La mayoría de los conceptos aportados por Ken Adam a la serie (que incluyen desde las cuevas del Dr. No, pasando por el Fort Knox de Goldfinger, hasta muchas cosas más, como la base Atlantis de La Espía Que Me Amó, el Lotus sumergible, etc) son inconfundibles, impresionantes, parte del folklore Bond. Ahora bien: lo que en 1967 era viable como concepto (la cápsula cohete que parte y regresa), ahora se nos antoja como ridícula, debido a imposibilidades de la física que entendemos al día de hoy, cuando vemos que el Transbordador Espacial tiene forma de avión precisamente para poder regresar volando desde el espacio. Es decir, lo que era tecnología de punta (o concepto de avanzada) entonces, hoy queda terriblemente desactualizado, pero igual no empaña la película (idea excelentemente homenajeada en Austin Powers 2).
Bond impide el plan, aborta la misión mientras una espectacular guerra campal se desarrolla dentro del volcán (los ninjas deslizándose por la boca del mismo también es de antología). Blofeld presenta sus facciones deformes casi sobre el final (siempre era una sombra o una voz), y Donald Pleasence le da una actitud realmente siniestra, ominosa, hasta sexualmente pervertida con su voz impasible y susurrante. Indudablemente es el mejor Blofeld de la serie, a pesar que su presencia figure en escasos minutos finales.
Explosión final, y Bond se queda con la chica japonesa (ah !… había una chica ??).
El film es muy bueno, aunque realmente remonta vuelo cuando el relato se traslada a la islas porque ahí retoma las excelentes y exóticas ideas que Fleming había volcado en el libro. El hecho de que sea Japón, esa cultura milenaria tan misteriosa y desconocida para nosotros los occidentales, atrapa más allá de bondades y carencias del guión, siendo las últimas muy pocas. La chica (Wakaba) no posee el protagonismo que la novela le daba a su personaje y termina siendo casi un elemento decorativo. Lo mismo pasa con el personaje de Tanaka, que aunque está algo más desarrollado, pierde en su translación al guión buena parte de la fascinación que generaba. Hay varias escenas antológicas, una buena partitura de Barry, una excelente canción (quizás la más bonita de la serie, conjuntamente con Goldfinger, y tomada como sampler por Robbie Williams para su hit Millennium) interpretada con inolvidable dulzura por Nancy Sinatra, buenas actuaciones en general. La tonática del libro, es verdad, ya no se condecía con el desarrollo de la serie fílmica. Pero creo que el material literario era notablemente más rico y que pierde mucho en la adaptación a la pantalla, tan sólo para proseguir con la corriente tremendista de Thunderball. El nuevo trasfondo no es malo, por el contrario está bien desarrollado y tiene buenas ideas. Pero termina resultando como dos películas mezcladas, interesantes ambas, pero que videosx no tienen la misma esencia (o autoría) y que se chocan entre sí, restando una los tiempos que a veces precisa la otra para desarrollar sus conceptos.
Despedida temporal de Connery de la serie. Gracias a Dios, volverá en Los Diamantes… y en un adiós nostálgico en Nunca Digas Nunca Jamás. 4 CONNERYS. Buen material literario sirve de base para una de las más festejadas películas de la serie. El querer entroncar la novela con el tema de la amenaza total, hace que se desperdicien muchos buenos conceptos de la novela, así como el desarrollo de personajes. El film realmente toma vuelo cuando recurre a las ideas originales de Fleming. Un Blofeld de antología; la escena final en el volcán, absolutamente inolvidable. Todo acompañado por la exquisita canción interpretada por Nancy Sinatra.

Gran producción de James Bond con la primera aparición en persona de su némesis Blofeld (Pleasence), escenarios japoneses… pero el plan (SPECTRE impulsa a videos de lesbianas las potencias a declararse mutuamente la guerra) y la falta de situaciones inteligentes o convincentes son lastres que el film no puede sacarse de encima. Guionada por Roald Dahl (!), espectaculares sets de Ken Adam.(2 estrellas y media de 5).
El quinto Bond puede ser fácilmente diferenciado del resto ya que es el único japonés. Es un producto, pero probablemente sea el más consistentemente entretenido hasta este tiempo – no como las sorprendentes escenas de Goldfinger, pero muy superior a Thunderball -. Los diseños futuristas de Ken Adam (incluyendo un volcán hueco) parecen perfectos para el género.Lewis Gilbert es posiblemente un mejor director de actores que sus predecesores y es un razonablemente eficiente administrador de tráfico; no deja a sus actores vagar demasiado en los sets. Y el James Bond de Sean Connery ya no es el mismo brillante y lustroso maniquí de los films anteriores; interpretando al super héroe como un tranquilo, más videos porno gratis que un aturdido espectador, Connery le da más carácter al papel del que había tenido antes. Este casual y humano Bond es más tierno en sus relaciones sexuales— uno podría asombrarse si las llama a ellas, relaciones amorosas. El guión de Roald Dahl (fuera de Julio Verne y los viejos seriales) es ingeniosamente consistente y Donald Pleasence, como Blofeld, acaricia su gato blanco ominosamente.

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Telemadrid: decorados virtuales

Con este nuevo sistema se ahorra energía eléctrica, tiempo y almacenamiento frente a los decorados tradicionales.

Telemadrid, además de ampliar sus informativos y ofrecer más de 12 horas de programación en directo para esta temporada, ofrece una imagen más filmes de sexo actual, con un cambio de imagen y nuevos decorados y con la creación de un plató virtual en el que se realizan programas como Madrid Directo, Cyberclub, Sucedió en Madrid y En Acción, y se utiliza también para la grabación de autopromociones de la cadena y espacios de El tiempo .

El sistema, instalado en el estudio 4 del edificio de la Ciudad de la Imagen, es capaz de trabajar con más de tres cámaras con escenografía virtual en tiempo real y permite a los operadores de cámara moverse con libertad por el estudio. Además, este sistema edita reflejos de cualquier objeto real, animado o inanimado y tiene generador de sombras virtuales, lo que hace que objetos virtuales tengan sombras para ser integrados más en la escena y parezcan más reales.

Por otra parte, el Sistema permite que los presentadores puedan ser integrados con el resto de elementos virtuales. Es un sistema que combina objetos y porno portugal decorados en 3D virtuales, con panorámicas de vídeo real en directo, integrando el conjunto con mucho realismo y mezclando con precisión los elementos virtuales con decorados reales provenientes de las cámaras de estudio convencionales.

Además, estos decorados hacen más fácil el cambio de decorados ya que el paso de la escenografía de un programa a otro es cuestión de minutos, por lo que la capacidad de producción de este estudio se ve ampliamente multiplicada. La iluminación en el estudio es sencilla y porno amateur de luz fría, tan sólo consiste en iluminar uniformemente el ciclorama y lógicamente es la misma luz para todos los programas, esto hace que se ahorre también energía eléctrica.

Remitido por el Dto. de Comunicación de Telemadrid.

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Alien Vs Depredador… una intento fallido por revivir una franquicia muerta

Cuando en 1987 “Depredador” hizo su aparición en los cinemas hubo un gran entusiasmo en las audiencias. La película, incluso hoy en día, es uno de los principales atractivos de los canales televisivos en sus franjas de héroes del porno.

La saga de las criaturas “alien” por su parte dio inicio en 1979 con el director Ridley Scott (Blade Runner, Gladiador); James Cameron (Terminador, Titanic) la continuo con la segunda entrega en 1986. De la cuadrilogía que comprende esta saga a nivel general sólo la primera y segunda entrega han sido memorables.

Al igual que “Freddy Vs. Jason”, película que reunió a dos grandes del cine de terror de los ochentas, “Alien Vs. Depredador” intenta revivir viejas franquicias que en el pasado han resultado exitosas con el único propósito –al menos eso demuestran- de evidenciar la escasez de ideas que enfrenta la industria del cine.

Cuando por poner un ejemplo los estudios decidieron realizar “Inspector Gadget 2” eso es una clara señal de que algo anda bien, tan bien como los videos pornos.

Esta versión que reúne a las dos criaturas promete únicamente un enfrentamiento a muerte entre ambas especies. Lastimosamente todo aquel que tenga la mínima ilusión que el producto es denso en batallas y cargado de efectos visuales saldrá totalmente desilusionado. No es así.

La cinta inicia con la agrupación de arqueólogos, científicos, guías y todo el personal necesario para realizar una expedición a la Antártica en donde se cree que hay un descubrimiento digno para hacer historia. Estas escenas son todas convencionales y obligatorias en este tipo de películas que sólo buscan reunir un buen número de personajes para saciar posteriormente el apetito de las criaturas. Nada nuevo.

Lo que sucede principalmente aquí es que hay una total incomprensión de las versiones anteriores de “Alien” y “Depredador”. Aunque cada una por su parte exhibió a sus criaturas sin mayor profundidad, esta versión no logra comprender que el éxito de esas películas de los ochenta fue precisamente la habilidad de los directores en crear un ritmo adecuado con la atmósfera adecuada, sin mayores complicaciones.

“Alien Vs. Depredador” tiene unos diseños de producción bobos que más bien parecen ser los ideales para un juego de video. La pirámide en ningún momento logra capturar esa atmósfera que por ejemplo hizo la selva en “Depredador” o la nave abandonada en “Alien”. Además, tratando de crear lazos que unan a las dos películas los guionistas idearon una historia poco creíble.

En las versiones originales, repito, ninguna de las criaturas cumplía otra función que no fuera asechar a sus personajes. Ese era su único propósito. Sin complicaciones. Los directores comprendieron bien eso y mediante un buen lenguaje de cámara lograron crear dos buenas películas de persecución.

Aquí en cambio se le quiere atribuir a los depredadores por ejemplo el papel de dioses. Criaturas que veneraban las antiguas civilizaciones humanas y que cada cien años visitaban la tierra para recibir sacrificios humanos. Supongo que estos depredadores, según la lógica de la cinta, también fueron los que les enseñaron a estos humanos a construir monumentos en alineación perfecta con los astros que hoy en día los científicos y arqueólogos discuten tanto.

Las lecciones de historia quedan mucho mejor en otro tipo de películas como las que tienen en xvideos, no en una cinta que se preocupa únicamente por reunir a dos exitosas criaturas para generar un buen negocio.

Sobre los personajes esta por demás hablar de ellos. Su única función es servirle de alimento a las criaturas. Sin embargo tengo dos observaciones. La primera es sobre el mal gusto que causa cuando los guionistas se valen de pretextos para querer identificar a la audiencia con los personajes con el objetivo de volverlos más humanos. Tal es el caso del científico que portaba su cámara digital e incesantemente hablaba de sus dos hijos.

En un buen drama y en situaciones adecuadas y bien estructuradas eso de los hijos tiene mucho peso dramático. En una película como “Alien Vs. Depredador” es una burla y un método engañoso si es que alguien tuvo compasión por el personaje cuando infelizmente murió. Creo que el público de hoy en día no es tan ingenuo para caer en esas trampas. Pero si alguien se identificó con el personaje mis disculpas por herir sus sentimientos.

La segunda observación es sobre la alianza entre una mujer y un depredador. Me resultó un poco desagradable eso de “el enemigo de mi enemigo es mi amigo”. Primero, porque lo repitieron innumerables veces, haciendo pasar a la audiencia como incapaz de comprender tal situación. Y segundo, cuando la mujer se involucra en el combate todo se viene abajo. La poca atmósfera que había creado la cinta se desplomó.

En fin todo aquel seguidor o fanático de las criaturas originales no encontrará nada que satisfaga sus expectativas, a no ser que las pocas secuencias de acción sean suficientes para sus gustos, que por cierto no están nada bien elaboradas.

No hablo del guión porque en realidad no es necesario. Sólo diré que hay demasiadas inconsistencias y huecos narrativos tal como se esperaba en este tipo de producciones. Al final aunque me entretuvo por momentos no puedo considerarla ni siquiera como una película regular.

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La sublime pervivencia del arte, Cine Alemán Contemporáneo

Visitar el cine alemán comporta, la más de las veces, un costado ciertamente afanoso…pero no por ello menos deseable.
Desde las magnas obras del expresionismo germano, pasando por el vitalismo de los manifestantes de Oberhausen y hasta llegar al Nuevo Cine Alemán, un largo trecho se ha recorrido y se ha rodado; un trayecto festoneado por categorías Absolutas, por fantasmas internos, la locura sublime, el vagabundeo existencial y la reutilización de géneros cinematográficos tutelados por el siempre intenso porno.

Sin olvidar el documentalismo experimental y frontal -casi ensayístico- de Farocki, y el cine intelectual del Sr. K -Alexander Kluge-, mismísimo redactor de Oberhausen, podría afirmarse que el cine alemán contemporáneo es también Tom Tykwer (“Corre, Lola Corre”, “El Perfume”), Wolfgang Becker (“Goodbye Lenin”) y Florian Henckel von Donnersmarck, director de la magnífica “La Vida de los Otros”. A ella nos referiremos. “La Vida de los Otros” (Das Leben der Anderen), que recibió el Premio Oscar a la Mejor Película Extranjera así como una gran cantidad de galardones de la cinematografía europea, describe el minucioso, austero y severísimo accionar del capitán Gerd Wiesler (un espectacular Ulrich Mühe) como oficial calificado y competente de la Stassi, la policía secreta del regimen comunista de la antigua República Democrática Alemana. Sin embargo, cuando a Wiesler le sea encomendada la tarea de espiar a una sospechada pareja conformada por un acreditado escritor en ascenso, Georg Dreyman (Sebastian Koch), y la talentosa actriz Christa-Maria (Martina Gedenk), inevitablemente la majestad del arte comenzará a impregnar la yerma vida del experimentado agente, transformándola por completo.

Súbita -y naturalmente- el humanismo del escritor espiado y el potencial revelador de esa vida ajena sublimarán la vigilancia del espía, y sucederá sin artificios ni estridencias; resulta magnífica la escena en que Wiesler se conmueve hasta las lágrimas al escuchar a Dreyman ejecutar en piano la póstuma “Sonata para un hombre bueno”; también aquella secuencia en que un montaje paralelo nos permite acceder al paradero del libro de poemas de Bertolt Brecht, tesoro -extraviado- de Dreyman: las mismísimas manos de Wiesler (el poema que éste lee con inusitada avidez es “Recuerdo de Marie A.” -“Erinnerung an die Marie A.”-).
Pese a la enorme violencia inserta en la propuesta del film (el imperio del control total ejercido por la maquinaria de estado comunista), la misma nunca llega a ser física o visual; sin embargo, von Donnersmarck logra graficar descomunalmente toda la opresión que emana del mandato oficial: la absoluta inclusión del artista al sistema.

Uno de los tantos aciertos narrativos de “La Vida de los Otros” tiene que ver con el peculiar lazo que se establece entre Wiesler y Dreyman, una relación a distancia (en la que extrañamente el primero se tornará en una suerte de presencia angélica para el segundo) que devendrá en un tributo, también a distancia, más allá del tamiz de la tragedia.

También resulta más que pertinente la espesura narrativa que el director brinda a los efectos de la típica “broma malograda” sobre temas porno, sobre todo bajo regímenes totalitarios: resulta memorable la secuencia en que un joven miembro del partido desliza un inocente chiste sobre Erich Honecker (a cargo de la Jefatura del Estado de la RDA).

En este sentido, imposible no recordar el film de Kusturica “Papá se fue en viaje de negocios” (1985), ambientado en plena ruptura entre Tito y Stalin, en la cual Mesha (el enorme actor yugoeslavo Miki Manojlovic) queda involuntariamente atrapado a partir de una desafortunada caricatura, sufriendo, así, los avatares del dogmatismo imperante …. y el destierro compulsivo; también resulta inolvidable aquella secuencia de “La Insoportable levedad del Ser” (1988) (basada en la novela homónima de Milan Kundera) en la que Tomás (Daniel Day Lewis) se vale de la tragedia de “Edipo Rey” para ilustrar los desmanes causados en Europa Oriental, bajo las atrocidades del totalitarismo comunista, a partir de una comparación entre la inocencia dolosa de Edipo y la presunta inocencia de los responsables del regimen; en consecuencia, Tomás sufre el destierro profesional una vez que decide publicar su artículo para la revista Unión de Escritores Checos.

Una mención aparte merecen los intérpretes del film de von Donnersmarck; curiosamente, tanto Ulrich Mühe como Sebastian Koch ya habían trabajado juntos en “Amén”, la cinta de Costa Gavras.